Domino Factory

《馆子》Light Room
A Debut Photo Book by Goooodie.com
展览 Exhibition: 11/5–11/27,2011
开幕 Opening: November 5th 3-8 PM
策展 Curator: 咖小西Ka Xiaoxi
参展摄影师：陈家頡 Chen Chiachieh /陈哲Chen Zhe /张继峰 Fenk Zhang /贾睿 Jia Rui /咖小西 Ka Xiaoxi
刘念 Liu Nian /杨圆圆 Luka Yang /罗洋 Luo Yang /某 Mou Hoo /邱阳 Qiu Yang /任航 Ren Hang /刘垣 Ricenz Liu
陈天心 Sophie Chen /熊小默 Xiong Xiaomo /许正东 Xu Zhengdong /袁小鹏 Yuan Xiaopeng /张平川 Zhang Pingchuan
上海莫干山路50号17号楼1层 J Gallery
J Gallery, 50 Moganshan Rd.,bldg 17,Shanghai China
Special Thanks to: J Gallery, 雷欧影像, Butt, Idle Beats, Card+乐卡

《馆子》，一本收录十七位中国年轻摄影师作品的摄影书。在这个洪水猛兽的时代里， 这些摄影师不算浮躁，还在拧把地使用着传统相机，在冲取胶片的路上盘算余下的钞票够去哪儿走走，今后拍些什么，该怎么拍，相机是他们与这个世界较量的最好方式。
面对中国新摄影这个庞杂冗大的词汇，谁也无法代表这个时代的全部精神，他们也会象其他人一样，年华老去，不再适合“新”和“年轻”这样的华丽辞藻，但此时此刻的他们鲜嫩多汁，凶猛极端或温柔似水，作品里早已有了倔强的光芒和沉静的呼吸。这一代人的成长经历，注定了他们的细腻敏感，青春被消费在了一个精神廉价的时代，他们面对的世界更辽阔了，却也更听不见回声。因此在这百幅影像作品里，我们可以看到一个个生命个体对自我存在的早慧的质疑，面对生活既充满隔阂，也深深沉溺。
Hardcover, Offset Print with 120g Antalis Brisky & 85g woodfree paper
Size:210 x 283 mm, 208 pages & 154 pictures, Limited and numbered edition of 500
Book Design:Danniel Ni
Poster & Card Design:No.117
Translation: Qu Tang
More about the book and exhibition pls visit: www.goooodie.com
Light Room is a photography book realeased by Goooodie.com, includes works by 17 young Chinese photographers. In our treacherous and grotesque age, these are the ones who have not been carried away. They still stick to traditional flim cameras, and already come up with new plans for the next destination and next shoot with their last penny, even on the way to develop film rolls. As a matter of fact, cameras are their arms in the wrestling with the reality.
None is able to fully represent the rising neo-photography in China, for that the youngsters will eventually fade away just like the rest, and lose their halo of being “fresh” or “young”. However, at this moment, traits which they boast, being tender, aggressive, or simply mild, are reflected in their works through different approaches, calm or rebellious.
The upbringing and life experience of this generation have early declared their sensitivity deep down. In a broadened world, their voices hardly echo, and their youth is consumed. Therefore, via the collection, not only a premature doubt of self-awareness is subtly expressed, but also their dilemma of being isolate from and addict to life at the same time.
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茫茫时间里，我和他们之间所有的距离只不过在这一呼一吸之间。我们其实正并肩站在一起，透过手里的镜头，一起欣喜于这世界繁花似锦，一起看我们各自生命里大江东去。我们一样的无力，一样的只能安静注视着而已。唯一不同的是，这代人的成长经历，也许注定了会让他们比我更细致敏感，没有兄弟姐妹的童年更孤独，青春被消费在了一个精神廉价的时代，他们面对的世界更辽阔了，却也更听不见回声，从他们的作品里，我看到了一个个生命个体对自我存在的早慧的质疑，面对生活既充满隔阂，也深深沉溺。
– 马良 (影像艺术家,《馆子》作序)
这是一本讲中国年轻摄影师的书。但面对中国新摄影这五个过于庞杂冗大和重担累累的字，我怎会落入这个如此明显的陷阱。十七位年轻摄影师并不足以代表这个时代，我也没打算耗尽脑力提出一个精神或新主义来概括他们，就让他们做自己好了。他们会象这个世界上的其他人一样，年华老去，不再适合“新”和“年轻”这样的词汇，但此时的他们绝对鲜嫩多汁，凶猛极端或温柔如水，浪漫四射。
– 咖小西 (Goooodie创办人)
摄影是一种被大部分人低估，被小部分人高估的媒介。对于我个人来说，发现它就好像是发现了另外一个沟通的渠道，它是我连接想象与现实的通道，因为我拍摄的对象都在现实生活中存在着，但这些东西都是被落在时光的角落里，他们存在着但并不真实。
– 许正东 (入选摄影师)
重读jeff wall，他的“微手势”理论给了我很多启发，之后缜密的思考重新安排画面中的线索，试图通过这些画面再读这个社会年龄层的缩影。它年青脆弱，追求刺激，打破宁静，和幻想中的浪漫主义一起模仿豪华的享乐主义。一幕幕此起彼伏反复上演。说它空虚，它能涂抹梦的空白；说它暴力，它只在情感中厮杀；说它是珍珠*，它不过是心底的一粒沙。它是新世纪速生速朽的巴洛克，而我为它命名『DIGITAL BUILDING』，无论烟花烂漫或是高巨雄伟，一个delete健，就可以让一切消失重来。
– 刘垣 (入选摄影师)

特别感谢：
J画廊一贯的宗旨是在艺术领域内通过多维度的整合和挖掘，打造更多具试验性和当代性的展览。
雷欧影像(Leo Image)是绝佳的影像交流空间，提供最专业的影像输出服务。
IdleBeats丝网艺术工作室由Nini Sum和Gregor Koerting创立，设计和手工丝印各类作品。

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Text：米诺Mino

她的作品不时髦，需要安静下来去看，作品往往比较小，这小中有着一些说不清的“弱中隐强”。她的这种声音会慢慢儿被放大出来 。但我觉得她又不只是她个人，她有她的群体性。从她的作品中可以看到她自己也同时看到她的时代。 她的孤独与隔膜、敏感与紧张、和时时出现的不适感一直融在作品中。你能感觉到那种扑面而来的需要跟外界沟通的欲望，却在踌躇中有着一层薄的膜。她是一枚锋利的羽毛。 在拨弄你神经的同时刺痛着你，在轻抚的欢愉中隐隐地疼着。那个膜上虽已是遍体鳞伤，但始终保持着张力不被刺破。
                                                                                                         ――宋冬

独生子，八零后。
马秋莎在北京出生长大，从小喜欢趴在父母一居室的窗户上看外面的世界。那扇窗仿佛是她跟这个世界唯一有接触的屏障，也是唯一的诱惑，让她每天都想了解外面的街上上演了什么。

这个娇小玲珑，甚至看起来乖巧可爱的女孩，从小就被接受绘画教育，并一直在学习和运用艺术创作，几乎成为了她成长和生活的全部内容。面对艺术的包围，她的孤独感也强烈伴随。从最初“很多东西一瞬间就消失，找不到与这个世界的链接点”做入作品创作的切入口，到现在已经开始思考如何面对死亡这样的重大命题，她显然已经变得越来越坚韧。
自2004年起开始艺术创作的马秋莎，七年来，以多元化的艺术媒介创作出大量的影像、绘画、摄影和装置作品。每一年都有不同的变化和进步，她的每一部作品几乎都能引起观者强烈的共鸣，甚至远远超出她的创作初衷。这使她逐渐成为业内颇受瞩目的新锐艺术家，她的活力和能量还在源远不断地扩散和增强。
而这所有的一切，她认为她的幸运却是“所以成为马秋莎，是因为周围太多的发光体，使我得以被看见。”
她的很多可能性都还很未知。而这个未知就像马秋莎至今为止仍然喜欢自由自在，随性地坐上一辆公交车闲逛一样，总会有新的发现。

“我的作品之间有隐性的线索。”

S：你说过你的很多作品取裁于日常生活，那么对于日常生活中的“当下片刻”，对你来说究竟意味着什么？
M：对我来说，重要的不是当下片刻，而是那些瞬间在发生时和消逝后，我对它们的不同认识。我认为重要的只是，你必须去生活，只有对生活充满热情，才能拥有对生活不停止的观察、发现和内省，保持敏锐会对艺术创作产生作用。

S：你是北京女孩，你对北京有什么样的情感？
M：我的很多作品都跟北京有关。今年在UCCA由宋冬老师策划的展览《地址薄》，我参展的作品就是由我生活过的，不同的，非常具体的北京地名来命名的。一部对我来说比较重要的作品《从平渊里4号到天桥北里4号》是如此，包括今年新的录像作品拍摄内容，也还是如此。我在北京出生长大，到目前为止，它依然是我生命里最重要的一个地方，甚至成为我个人气息的一部分。

S：有没有特殊的成长经历对你造成过很大影响？
M：作为独生子的这一代。可能很难想像，因为有这么多的八零后差不多都是独生子女。总之我个人的经历不是因为受过什么挫折，反而是因为父母家人给予太重的爱和期望，这也使我感受到多重压力，或者说他们的爱太盛大了以致于我不知如何接受，很痛苦。也许还有性格的原因，从小就不擅于交流勾通，有点孤僻。长大以后似乎也一直比较喜欢独处，特别耐得住寂寞，这让我失去了其他一部分生活经验，反过来它又让我得到另外一种东西。相似的一天一天，能找到它们不一样的，能抓住我的东西，也只有通过艺术这一条路去实践。

S：所以，艺术对你来说就是生命本身吗？
M：我只知道艺术是我从小就习惯的一个方式。因为我一直在学画画，后来上美院附中，到考上美院，去美国留学还是学艺术，我从没有离开过它，既是一种宿命，对我也有一定的治愈的作用。生命是虚无的，如果没有艺术，我不知道要如何更接近自己地活着。可如果我在做艺术的话，它就提供了一个空间，存放或释放我的焦虑，我的悲喜，一切的东西。只有这个地方，让我能真实地去面对自己，更宽广，更勇敢。

S：你的艺术创作非常多元化，在这些不同媒介的表达里，作品与作品之间有着什么样的联系？以及你怎样决定和选择不同媒介的表达方式？
M：我的作品在完成和进入展厅之后，它有时会脱离于我。我没有特别去处理和提前预设每个作品之间的关系，但你会发现它们之间有隐性的线索。比如说我的早期作品《从平渊里4号到天桥北里4号》，刀片是隐藏的，直到最后才露出来。而今年的新作录像作品《我所有的锐气源于你的坚硬》，一开始就把冰刀亮了出来成了主体。前一个作品完全是陈述一种成长的痛楚，后一个作品表面讲述冰刀与各种不同路面之间磨与被磨的相互作用，它其实也可以理解为成长过程中个体与环境的相互关系。
还有《We》和《Us》，前者在讨论一男一女两个人之间的关系，后者在讨论个体与群体或群体之间的关系，它们是一种思考的伸延。还有很多，你会慢慢发现。我自己也还处在一个成长过程里。
关于媒介选择，我不会限定，因为这些媒介我都熟悉。从大学开始一直学Vidio，对于录像来说，是有目的，刻意去用它。而绘画，我没有目的，但我一直在画画。在UCCA展出的作品《自画像》，其实是我的“绘画日记”。我小时候很内向，没什么复杂的隐私，可就是不愿意让别人知道心里想什么，文字方式也觉得不够私密，所以我用画画来记日记，这样就只有我自己可以看懂，别人不可能看懂。它是一个密码，不可能破解，每幅画都是一篇篇日志。
其他的媒介方式，取决于我思考的艺术命题。

S：你有相当一部分作品，对记忆和空间的表达非常突出，为什么？
M：我的很多作品来自于自身经验，那只是因为不太信任他人的间接经验。确实我很多作品跟我自身，家庭，亲人关系密切，他们也确实一直是我生活的大部分内容。那个有关我姥爷的胡渣作品，是去年我姥爷去世后，我从垃圾堆里找出来把它们原封不动地带去展厅的。知道我为什么要做它吗？因为我想它是我跟我姥爷两代独生子之间，没有任何话语的一种交流方式。他的去世，让我觉得我从此跟他生活的地方不再有任何关系，那样一种落差。我总在“回溯”过往的经历，可能是我一直在害怕消逝的东西，我不知我不是否重塑了记忆，它同时有抽离和超越的意念在里面，也承载了我全部的情感。
空间表达，是因为我从小开始学画画，就从画那种苏式建筑开始，我一直对建筑很感兴趣。对于我来说，现实中的建筑物那坚硬的外壳是对记忆的一种屏障，无法进入。而我画的那些建筑，墙体的部分都是有温度有质感甚至有呼吸的，只有窗口的位置是冷冰冰的。它只是一个反射，它有一种隔膜。

S：2007到2008年，你有三个系列作品都用了“牛奶”（ Milk Series ,Milk Body , Ink Milk），它有什么特殊的含义？
M：因为通常意义来讲，牛奶是从身体里出来的，是身体的一部分，也是生命一个阶段自然流淌的东西，特别性感，有特别丰富的寓意。作品里把牛奶作为主角，是想把牛奶的通常意义转换过来，它扮演了一个侵略和破坏的角色。这么说，可能特别奇怪。在国外上学的时候，有一天一个导师跟我聊天，他说总觉得我的作品里有一种罪恶感，或称之为“原罪”。我自己并没有发现，但是想想自己从小就过于敏感胆怯，总给人唯唯诺诺的感觉。我并不知道，自己没有意识到的东西正在塑造我。你想，牛奶有那么多崇高的含义，作为生命的供养，又是纯洁的，生命的源头。但是，让它从双腿之间流淌出来，也可能是一种排泄物。我觉得有没有一种可能，供养我们身体的一个东西，可能并不是我们真正需要的东西，被强行给予或营养过剩，就会变成一种废料。另外，牛奶跟性有关。

“内心不断预演死亡，是为了战胜对死亡的恐惧。”

S：从2004年到现在，整整七年，你的艺术创作和作品像一个私密花园，呈现着错踪复杂的变化，你怎么看待这些变化？将来又会是怎样的一个发展方向？
M：很多艺术家他基本是秉持一条主线，甚至形成某种他本人作品的某个符号，让人一眼就能认出他的作品，没有太多旁枝的东西。但我的作品不是单线的，也在用多种不同媒介做着不同层面的表达。我所有作品都跟原点――“我”有关，所有变化都是我的变化，不仅是成长痕迹还有更多对艺术的思考。反正会一直往下走，我仍然认为自己还在初级阶段，现在的状态是伸了很多触点，记忆，对性，对空间，对人的关系有兴趣，将来可能是两条三条一起，也可能是一条走下去。现在还是太年轻，还在摸索阶段，会一直丰富。

S：请介绍一下你最近参加的“艺术长沙”和“成都双年展”的主要作品。
M：“艺术长沙”参展作品其中之一是之前提到的《我所有的锐气源于你的坚硬》，另一个作品是单屏录像，也是录像装置《拥抱》。这个作品呈现一系列的跳水运动员在训练时临近水面时的动作瞬间，那些动作，看起来都像在拥抱一种未知的东西也可以说在拥抱一种死亡，下坠也有一种死亡的气息。但这些人物，通过剪辑是一种温暖积极的态度。就像我们每个人，都在努力地迎接死亡，或者说在做一种面对死亡的练习。
“成都双年展” 参展作品之一是今年新作《黎明是黄昏的灰烬》。作品拍摄的是天安门广场前那一段长安街上的路灯，华灯熄灭的那个瞬间的前前后后，大概所有的镜头都用的空镜。没有任何具体的建筑符号，人物，什么都没有。虽然拍的是一个权力空间，一个政治空间，画面却只有被温暖的华灯映照的那一片深蓝色天空，还有这些华灯，还有空的路，还有风，还有乌鸦这些东西。
另一个作品是摄影《空间故事》（2007－2008年）。这组作品是把一个立体三维的内部空间转成平面，有点解剖的意思。对于空间的选择，在国外拍了一些废弃的空间，这些空间是不变的，它保留着人的痕迹。回国发现一些空间，面积不大，但它经常变化，易主。比如说一些清仓处理的箱包店，鞋店，可能存活一个月之后变成一个餐馆，廉价旅馆等等，它们的内容总是在变。

S：现在你依然有恐惧感吗？
M：我高中时常失眠，有着各种离奇的恐惧，甚至经常在脑子里预演死亡，大概是害怕失去最亲近的人。现在不失眠了，可这种恐惧并没有完全消失。其实我知道那是我的脆弱，想要变得更坚强的方式，以为在心里预演足够多的时候，当它真的发生就不会这么痛苦了。更多的不是面对他们，而是怎么去面对和接受死亡，是我现在思索更多的问题。
M：

S：你对自己的性别会排斥吗？或者你对“女性艺术家”这个称谓有排斥感吗？
M：我没有想过这个问题，不觉得有排斥。可能“女性艺术家”这个称谓会容易让人误解有强调性别的感觉，对我来说是不必要的。我无法反对自己是女性，因为它是天生的，我的作品虽然出发点很多来自自身，可从来也没有刻意从“女性”这个角度出发。对我也不存在任何障碍，因为艺术不会分为女人的艺术或男人的艺术，它是人的艺术。

S：你这么年轻就受到这么多关注，已经举办多次个展，也受邀参加很多国内外重要的艺术展览，你觉得自己幸运吗？
M：我必须说我是幸运的，但不是指生活层面的一帆风顺，因为内在很多挣扎。我的幸运是指周围的发光体太多，我被得以看见，从而成为了艺术家马秋莎。我也知道一旦成为职业，将会有更多考验。

注：有删改，详见《Surface》2011年10月刊。

发现
Text：Mino

                                          “瞬间、永恒和返回原点”

    摄影，介于瞬间与永恒之间。瞬间中，可以透视出心灵的隐秘与生活的真相，也可以投射出历史的只言片语，而这一切，都意味着某种永恒。每一天在人们的眼前都是真实的瞬间，无数的瞬间搭建起历史永恒的大厦。摄影，揭示了个人与世界、有限与无限的沟通，是科技与人文的完美组合，是人类跨越时空的进取精神的印证。
                           
                                                        ―― 2011年平遥国际摄影展
                                                                艺术总监：张国田

    9月19日，以“瞬间•永恒”为主题的第十一届平遥国际摄影大展隆重开幕。   
    本届摄影展重头戏学术展“返回原点”，以探索性的主题和六位来自世界各地的年轻策展人共同策展，探讨数字技术时代的摄影将如何在新的社会环境中确立自身的价值。返回原点，意味着对于摄影的重新发现与重新思考，不是对于过去的简单复制，而是在新的背景下，对于摄影这样一种发展了一百多年的艺术形式的再度利用，是思索摄影的现代性与现当代摄影之间的相互关系。
    国际展方面最重要的展览是“东欧的度过”——来自新时期的东欧影像，这是国内第一次这样大规模的展出东欧摄影作品，在世界上也是不多见的;今年的大展还邀请来自英国的当代摄影大师蒂姆•弗拉克(Tim Flach)展出他的作品“动物之灵”，除了蒂姆•弗拉克之外，丹麦摄影师夏洛塔•哈斯朗-克里斯丹森(Charlotte Haslund-Christensen)、澳大利亚著名摄影师吉拉德•奥•康纳(Gerard O’Connor)与马克•瓦塞克(Mark Wasiak)的展览也值得关注。
    经历了“平遥十年”这样一个关卡，2011年平遥将此次大展的主题确定为“瞬间•永恒”，而学术展主题的“返回原点”不仅阐释着摄影在诸多艺术门类中的特性也表明在“平遥十年”后，平遥国际摄影年展以一个新面貌呈现，对于中国“大”摄影来说，平遥依然是业内的风向标。

                                       “突破、创新与展现”

    本届实验展的主题为“幻+影”，目的是通过实验性的当代影像和艺术方式，激励与摄影有关联的艺术实践创新，并在展览现场展示在摄影技术、观念等方面具有创新精神的摄影作品。
    在这个单元的参展作品中，年轻摄影师卢彦鹏通过摄影与镜子的互动，产生出许多超越摄影的意义，那些被反映在镜子中的细节与“景深”，或者正是本次大展设立实验展的原因所在。其中年轻摄影师卢彦鹏所带来的作品，不仅在技术与观念上都有所创新，而且在展览形式上也有突破，使形式本身变成了展览的一部分。由陆瑜华带来的“延展与开放：当代艺术中的摄影景观”也极具特色，纽约的三位视觉艺术家RICHARD JOCHUM， KATY MARTIN 和YAMINI NAYAR 的作品在内部与外部，记忆和真实, 记录和创造这些复杂的符号象征性领域之间穿越着，打开了一个新而广阔的联想领域，而恰是这种矛盾的感觉使他们的作品如此的迷人和具有吸引力。RICHARD JOCHUM的作品扩展和延伸了对二维和三维空间, 摄影和雕塑, 历史与记忆之间的幻想和真相的探究和询问；KATY MARTIN则强调绘画的物理运动，把描画的行为与电影联系起来，电影成了绘画姿态的语境；把绘画形式和摄影形式相结合改变了绘画的主观性和摄影的客观性；YAMINI NAYAR的作品游走在完全的抽象和可辨认的肌体之间。
     2011年第11届平遥国际摄影大展的另一项重大举措是将装置、行为等当代艺术纳入大展的范畴，艺委会将在棉织厂展区开辟出相对独立的展览空间，通过实验性的当代影像和艺术方式，激励与摄影有关联的艺术实践创新。

                                    “发现中国，感动世界”

    作为全球最成功的高档汽车品牌之一，奥迪一贯推崇积极进取的高品位生活方式，“突破科技，启迪未来”是品牌核心理念。奥迪北部区自去年开始携手平遥国际摄影展，搭建独立的奥迪展厅，展示奥迪主题摄影作品。本届平遥国际摄影大展，奥迪再次与展会方合作，百余幅优秀作品布展土仓，启动了以“发现中国，感动世界”为主题的第二届奥迪主题展。
    此次的展出作品，既有摄影名家卢广、左伟、姜玉树等人的名作，也有部分奥迪车主中的摄影发烧友提交的作品。自八月中旬以来，本活动主办方奥迪北部区就发起了前期采风活动，来自五大省市的多家经销商组织多位车主进行了作品拍摄，此外，奥迪北部区还邀请知名摄影师及网络摄影发烧友，对山西壶关、山西霍州以及河北阜平三个地区深度拍摄，同时进行网络作品征集，共收集到照片千余幅。展厅内，一幅幅精心创作的照片令参观者赏心悦目，充分彰显了拍摄者善于发现美好及感动的探索精神。并在其平遥古城内搭建的展区里展示了多位摄影家的作品，以供展会期间观众欣赏。此外，当日奥迪北部区慈善基金的新慈善项目——“母婴平安120行动”也同时宣布启动。
    通过这个平台，一方面给予了更多奥迪车主自我展示的机会，让其能够交流、沟通摄影知识、技巧，推行积极进取的高品位生活方式；另一方面也体现了奥迪在积极推动群众摄影等艺术活动方面做出的努力。未来，奥迪北部区将会以更大热情，在两届奥迪主题展的经验积累之上，将平遥国际摄影大展奥迪主题展搭建为一个长期的、持续的大众摄影平台。

                                              “真实之美，动人心魄。”

    摄影，一直被喻为是最接近真实表达的艺术手段，用光影体现和创造着人们对这个世界的认识。奥迪汽车，做为人们出行的工具，坚持不懈秉承着品牌理念：进取，尊贵和动感。在人生旅途中，无论是艺术形式的欣赏，还是出行载体的选择，善于发现，积极进取，随时感动，都能让人生旅途的风景更美妙。
    奥迪与平遥国际摄影展的合作，一方面是对艺术不遗余力的实际支持。展出的主题摄影作品以“人文、慈善、环保与公益”等内容为主，又代表着品牌对这些主题的密切关注，更体现了品牌自身对艺术永不停止的追求和“以人为本”的核心落点。
    本届平遥国际摄影展，无论从策展人的选取还是参展作品及表达内容，甚至包括媒体宣传和布展形式，都以更专业的标准为起点，全方位打开视野，向国际化展览水平前行了一大步。这些努力方向，恰好与奥迪主题展区“发现中国，感动世界”的精神述求，不谋而合。     它们不是偶然的，完全是因为产业与艺术之间有着相辅相成的作用而促成的。
    一如所有艺术形式，没有什么比“打动人心”更重要。
    于是，真实之美，动人心魄，成就了奥迪不可忽视的永恒魅力。